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来自现在的艺术品斯蒂芬?肖尔摄影师的MoMA回顾展。

艺术中的平凡之处在于一种永恒的进化状态。每个时代都必须发现一种陈腐的新阶层，并将其提炼成艺术形式。在查尔斯·波德莱尔(Charles Baudelaire)的《现代生活的画家》(The Painter of Modern Life)一书中，他在1863年写了《现代生活的画家》(The Painter of Modern Life)。波德莱尔的艺术家flaneur在城市的污泥、痛苦和喧嚣中寻求与“短暂的，逃亡的，偶然的人”交流。随着机械复制的新装置的出现，摄影师们很快就会步上flaneur的后尘，将司空见惯的事情变成“决定性时刻”。大约一百年后的20世纪60年代，普通艺术的结构发生了翻天覆地的变化。波普艺术和概念艺术提供了新奇的、反美的日常描述。艺术变成了反艺术，依赖于中性的现实中继，剥夺了可以弥补的主观性。普通人突然抵制变形。结果就像沃霍尔(Warhol)的布里罗盒子一样，平淡而大胆。这个时代给我们带来了一种激进的概念上的推动力。像艾德·拉斯查(Ed Ruscha)的《无风格》(no style)的26个加油站的照片，约翰·巴尔德萨里(John Baldessari)拍摄的卡车后面的照片和沃霍尔(Warhol)的极板(Polaroids)的照片，仍然让人震惊，因为他们故意抛弃了技术控制，坚持纯粹的直接而非审美歧视。由MoMA的Quentin Bajac策划，展览场地Shore的作品在摄影培训艺术运动中影响了年轻的摄影师，而他在工厂工作。在第一个房间里，该调查展示了30多家工厂的黑人和白人，从卢·里德(Lou Reed)和尼科(Nico)到马塞尔·杜尚(Marcel Duchamp)，以及从上世纪60年代末开始的海岸实验系列图片，这些都是关于艺术摄影的传统。在第四间屋子里，我们进入了一个新阶段:上世纪70年代Shore的neon-and-乙烯基美国，在他众多的越野旅行中记录下来。1972年，Shore带着一架Rollei 35mm相机从纽约城驶往德克萨斯州的阿马里洛，开始了一系列后来被称为美国表面的系列。在今年年底之前，在美国后现代时代，天然气燃料的行驶将覆盖数千英里和近100卷胶卷。强烈的红色与产品结合，虽然是同一色系，貌似违背了拍摄的基本原则，但是这种反其道而行之的拍摄反而成为了艺术品。这才是摄影艺术的魅力。

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